SINGAPUR – Hay diseñadores que crean prendas perfectamente adorables y deseables y hay diseñadores que profundizan un poco más y piensan un poco más.
Las obras de este último campo son casi como marcadores culturales, no solo reflejan el clima de la época, sino que muchas veces también ayudan a cristalizarlo y, en algunos casos, incluso a cambiarlo.
Una de las voces más originales e importantes que dan forma al futuro de la moda actual pertenece a Marine Serre. Entró en escena con una explosión en 2017, su colección debut le valió el premio LVMH.
Desde entonces, ha logrado el éxito crítico y comercial con un punto de vista único que explora temas de identidad, fluidez, diversidad y sostenibilidad.
Llámelo conocimiento previo o coincidencia, pero siempre ha habido algo distópico en los programas y colecciones de Serre. Mucho antes de que alguien pudiera predecir que las máscaras serían el accesorio más frecuente (y necesario) de este año, ella ya las estaba colocando en las pasarelas junto con pasamontañas, overoles y otros equipos de supervivencia.
Pero no todo es pesimismo. Serre ofrece un salvavidas, un camino potencial a seguir: desde su primera colección, ha puesto el upcycling en el centro de su marca, con vestidos de seda hechos con pañuelos antiguos y, más tarde, maravillas de jacquards de alta costura reformadas. mantas y toallas.
En una conversación con la editora adjunta de moda de The Guardian, Priya Elan, el año pasado, Serre señaló: “Lo más importante fue tratar de descubrir el proceso de producción problemático. Estamos consumiendo mucho. Sentimos entusiasmo por la ropa regenerada. La gente dice , ‘Podría usar una falda hecha de alfombra, no creo que sea extraño’. El propósito de todo esto es hacer un mundo mejor “.
A medida que la sostenibilidad se convierte en un tema cada vez más urgente que la moda debe abordar, Serre ayudó a impulsar el reciclaje hacia la lengua vernácula popular. Este enfoque más sostenible de la creación ahora se está practicando en todo el espectro de la moda, desde los favoritos indie como Bode hasta los grandes conglomerados como Coach.
Si bien la industria del lujo solía burlarse de todo la temporada pasada, la pandemia provocó un cambio de perspectiva muy necesario: el uso inteligente de material muerto o telas de archivo es ahora una virtud.
Reinicio de sistema
Con la pandemia interrumpiendo la forma en que las personas trabajan, crean y consumen, la moda se encuentra ahora en uno de sus mayores cálculos. Lentamente se están produciendo cambios que antes simplemente se contemplaban o fantaseaban. Gucci de Alessandro Michele siempre se ha atrevido a ser más diferente en comparación con sus otras marcas de lujo multimillonarias.
Sintiendo que se avecinaba el cambio, aquél en el que los consumidores y los diseñadores quieren un enfoque más lento y cuidadoso de la moda, Gucci se convirtió en una de las primeras grandes marcas en anunciar su salida del calendario de la moda tradicional (al mismo tiempo que Dries Van Noten reunió un grupo de diseñadores y minoristas para solicitar un reajuste de cuándo se muestran, entregan y descontan las colecciones).
Michele, por supuesto, hace tiempo que prescinde de los descuentos de temporada, firme en su creencia de que su Gucci trasciende las estaciones. Ahora, llevando esta línea de pensamiento más allá, estaba irritado por el ciclo implacable de cuatro a cinco desfiles al año, algunos realizados en lugares distantes a los que cientos vuelan para un espectáculo que dura solo 15 minutos.
Y así Michele recalibró Gucci a una cadencia de dos colecciones al año: cómo y cuándo las exhibiciones se volvieron fluidas y flexibles. Pero primero, un capítulo final para terminar con la antigua forma de hacer las cosas. En julio, Michele presentó el Epílogo.
Inicialmente concebido como un espectáculo de crucero en San Francisco, se representó en casa en Italia bajo la apariencia de una transmisión en vivo, estilo de vigilancia, de las imágenes de la campaña de la colección.
En una conversación con el periodista de moda Alexander Fury a principios de este año, Michele dijo: “El espectáculo siempre ha representado un medio de comunicación increíblemente poderoso. Cada vez, lo he transformado para responder mejor a mi necesidad de contar. Pero ahora esta necesidad puede encontrar otros espacios, otros caminos. También puede reinventarse radicalmente. Lo que estamos viviendo es un gimnasio para la imaginación ”.
El primer resultado de este ejercicio imaginativo se reveló en el transcurso de varios días en noviembre como GucciFest, un festival de moda y cine con entradas de nombres como Harry Styles y Billie Eilish. Este festival no solo contó con la última colección de Michele, sino que también destacó los trabajos de 15 jóvenes diseñadores independientes.
Ahora, en toda la industria, los diseñadores se están dando cuenta de que no necesitan estar atascados con un sistema rígido que no funciona. El último “Mes” de la moda en septiembre duró casi tres, con Celine, Michael Kors y Tory Burch eligiendo desfilar más tarde, y todos en diferentes formatos, en octubre y hasta noviembre, todo para alinear mejor la ropa que muestran. cuándo estarán disponibles para su compra.
Luego están aquellos como Marc Jacobs, que optó por mantenerse fuera de la Semana de la Moda por completo, destacando el tributo humano que la pandemia recibió en una industria impulsada por la creatividad y la artesanía.
Mejor juntos
Mientras Gucci cerraba un capítulo que reimaginaba lo que puede ser un desfile de moda, otro peso pesado italiano abrió uno nuevo rehaciendo la idea de una colaboración de moda.
La Semana de la Moda de Milán en septiembre vio a Miuccia Prada y Raf Simons debutar en Prada. Juntos, reescribieron las reglas sobre cómo las mentes creativas creativas pueden trabajar juntas, de manera verdadera e igual, además de la cápsula única de marca conjunta.
Sin embargo, estas nuevas reglas están evolucionando para satisfacer las necesidades del momento. Respondiendo en una conversación posterior al espectáculo a preguntas de crowdsourcing sobre su proceso de colaboración, Prada dijo: “Este es un comienzo. Tenemos tiempo para desarrollar, restar, sumar y colaborar de cualquier manera; esa es la belleza; no lo tenemos, no lo sé. A dónde vamos. “
Desde la lista de reinterpretadores de Rockstud de Valentino hasta los establos de diseñadores invitados de Emilio Pucci y Jean Paul Gaultier, la mayoría de las colaboraciones al más alto nivel de la moda ahora se basan en asociaciones únicas.
Aún es demasiado pronto para decirlo, pero quizás el enfoque de Prada y Simons presagia una nueva forma de trabajar, una que sea más gratificante y sostenible a largo plazo.
Sé amable, rebobina
Virgil Abloh también pensó en la flexibilidad, pero en otro aspecto. La reflexión del diseñador sobre la longevidad de una colección lo llevó a la idea radical de que una colección puede continuar evolucionando y expandiéndose incluso después de que se apaguen las luces en el desfile.
Abloh diseñó su colección de ropa masculina primavera / verano 2021 para Louis Vuitton como algo que puede cambiar de forma y adquirir nuevas dimensiones.
Lo que se desató en una película animada ambientada en París y se estrenó en julio se convirtió en un desfile completo en Shanghai en agosto, que luego apareció nuevamente en Tokio en septiembre de una nueva manera, con diferentes puestas en escena y nuevos looks agregados.
La colección destacó no solo por su naturaleza amorfa y la incorporación de nuevos looks, sino también por la forma en que alargaba la vida útil de los antiguos. Abloh incorporó estampados y motivos de todas sus obras de arte de Vuitton, una declaración audaz de cómo las buenas ideas de diseño no tienen que morir después de una temporada.
Un nuevo amanecer
Por muy notable que sea el enfoque de Abloh, el que realmente prosperó en estos tiempos sin precedentes, con soluciones tan inesperadas como el enigma en el que nos encontramos, es Jonathan Anderson. Aparte de John Galliano (y sus documentales que lo dicen todo para la casa de moda de lujo francesa Maison Margiela), ningún otro diseñador se ha acercado a tomar las limitaciones de este momento y canalizarlas en un nuevo y poderoso trabajo que fue el momento, mientras lo trasciende al mismo tiempo.
Anderson llegó a un camino a seguir al echar una mirada al pasado, rechazando los lookbooks digitales y las películas impersonales por lo físico, lo táctil, lo permanente. Su “show in a box” y “show on the wall” para ropa masculina y femenina de Loewe primavera / verano 2021 reunieron, respectivamente, cajas y libros, papeles y muestras, recortes y pliegues, e incluso perfume y sonido: todo creado con amor y sanado.
Han ido más allá de las meras exhibiciones de ropa para una nueva temporada para convertirse en una verdadera cápsula del tiempo de la experiencia única que la gente está experimentando ahora.
Anderson dice: “Ahora estamos en un momento en que la moda debe cambiar. Debe tratarse de la exploración y siento que pase lo que pase, nosotros, como humanos, necesitamos tacto; queremos tacto”.
Son diseñadores como Anderson y todos los mencionados anteriormente quienes son capaces de atravesar el ruido y el caos y destilarlos en una visión cristalina que mostrará el camino a seguir para la moda. Serán la luz que explota a través de las nubes oscuras en estos tiempos.
Este artículo se publicó por primera vez en Harper’s BAZAAR Singapore, la revista de moda líder sobre lo mejor en estilo, belleza, diseño, viajes y artes. Vaya a www.harpersbazaar.com.sg y siga a @harpersbazaarsg en Instagram; harpersbazaarsingapore en Facebook. La edición de diciembre de 2020 ya está en los quioscos.
